Comisariado/ Queca Levenfeld
Fechas: 26 de diciembre, 2024 – 26 de enero, 2025
Inauguración: 26 de diciembre a las 19 horas
Esta exposición se apropia del título de la obra póstuma de Luigi Pirandello: Uno, ninguno y cien mil. Un autor profundamente interesado en explorar las complejidades de la naturaleza humana y la identidad. En sus novelas y obras de teatro, Pirandello se adentra en los laberintos psicológicos de sus personajes, interrogándose sobre las múltiples facetas del ser y el conflicto entre la percepción interna y la externa.
En Uno, ninguno y cien mil, el autor pone en evidencia que nuestra identidad no es una esencia fija, sino una construcción que se fragmenta ante las miradas ajenas.
La mirada ajena frente a la que tenemos de nosotros mismos se convierte en el punto de la reflexión de la obra. Este choque entre el “yo” interno y la percepción externa es lo que estructura toda la trama: Uno, soy yo mismo. Ninguno, somos cuando dejamos de ser nuestra mirada para ser la de otro, y cien mil, cuando somos todas las miradas del resto.
Este laberinto de identidades podría resonar en varias cuestiones ¿Qué es un retrato sino un solo personaje? En el retrato, se esconde la paradoja de la identidad: un rostro fijo que, al mismo tiempo, refleja una multiplicidad de posibles interpretaciones. ¿Cuántos retratos caben en un mismo personaje? Esta tensión entre lo que somos y lo que los demás ven subraya la fragilidad de nuestra identidad y nos lleva a una reflexión sobre la representación misma: ¿Qué es la representación sino una actuación?
La exposición que presentamos explora la diversidad de la identidad a través de una muestra múltiple y variada de retratos de personajes imaginarios. Cada pieza es una variación, una interpretación subjetiva de un posible “yo” que se despliega ante los ojos del espectador. Rostros abocetados, desfigurados, borrados, cuyas psiques emergen en una narrativa profunda, un lenguaje del subconsciente que parece escapar del control del sujeto. Esta fragmentación del rostro y de la identidad se convierte en una metáfora visual de la multiplicidad de representaciones.
Bertolt Brecht, en su reflexión sobre el teatro, decía que “La historia del teatro es la historia de la transfiguración de la forma humana”. En el teatro, como en la vida, la identidad no es estática, sino dinámica y mutante, en constante reconfiguración en función de contexto y situación.
La obra que nos presentan los artistas Pedro Moreno, Raúl Herrera y Jacobo Gavira tienen una estrecha relación con el mundo del teatro y del cine. Los personajes representados beben de influencias visuales y conceptuales similares, Una primera mirada nos podría adentrar en los inquietantes personajes fantásticos del Bosco, en los retratos de las pinturas negras de Francisco de Goya o el enfoque visceral y táctil de la pintura de Francis Bacon ofreciendo una representación cruda e intensamente emocional.
Movimientos como el surrealismo o el dadaísmo también subyacen en la obra pictórica de estos tres artistas. Sus obras dialogan armónicamente con las esculturas de hierro del cuarto artista de esta muestra colectiva, David Alonso
Echeverría, que, profundizando un poco más, nos desvela una posible conexión con los personajes del Ballet Triádico de Oscar Schlemmer del movimiento de la Bauhaus. Las esculturas exploran el espacio, el volumen y la perspectiva a través de formas fundamentalmente circulares que acompasan el equilibrio con un sutil movimiento rotativo.
David Alonso Echeverría (Zaragoza, 1973) es arquitecto y lleva los últimos diez años trabajando y creando con los materiales que tiene a mano en un perdido enclave segoviano.
Ha colaborado en diferentes proyectos de arquitectura, así como en exposiciones de otros autores como la de Joaquín Vaquero Palacios en la Fundación ICO.
Jacobo Gavira (Madrid, 1970), es hijo de madre pintora y padre interiorista, comenzó a pintar siendo muy joven, y no tardó en consagrarse profesionalmente a la pintura y el diseño; en este último campo, sobre todo en los territorios de la Cultura y la Gastronomía. Tal como explica el Crítico de Arte Luís Francisco Pérez a propósito de una de sus exposiciones, “su pintura está más cercana a una retratística –neutra, abstracta y sofisticadamente primitiva- de una cierta idea de la condición humana que de una simple y limitadora cualidad figurativa o representacional, siendo estas calificaciones válidas pero con ciertos reparos semánticos. La existencia de una tensión dialéctica entre abstracción y figura recorre transversalmente todas las etapas de la obra del artista tras tres décadas de su trabajo. Y es más: su obra permite “visualizar” gran parte (por no decir todas) de las corrientes pictóricas que se “expresaron” en la pintura española desde finales de los 80. Así pues... ‘Pintura: Idea Fuerza“.
Ha realizado numerosas exposiciones individuales en España; Casa Encendida (2004) Sala Cruce (2007) Galería La Caja Negra (2016) Galería Espacio Valverde (2020) Galería Mados (2023) entre otras. Y en el extrajnero, Pinacoteca di Como. Italia (2005) Museo Ayala. Filipinas (2010) o Ibérica Food & Culture. Londres (2009). Ha participado además en ferias de Arte como ARCO o ESTAMPA. en 2024 ha recibido junto a sus compañeros del Teatro del Barrio el Premio Nacional de Teatro.
Raúl Herrera (San Lúcar de Barrameda, 1980), es artista visual y director de cine que vive y trabaja en Madrid.
Formado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, licenciándose más tarde en la Facultad de Sevilla. Paralelamente estudió en el Instituto del Cine de Madrid (NIC). Máster de museografía creativa por la UPC, y más tarde hizo formación complementaria, como el curso de dirección cinematográfica en la ECAM.
Siempre ha alternado su trabajo de artista plástico con el cine y el diseño, habiendo expuesto en galerías de arte como Lina Davidov de París o Imaginart Gallery de Barcelona.
Ha trabajado en proyectos audiovisuales con diferentes productoras, como Mesala Films o White Leaf Producciones, entre otras. Su anterior cortometraje como director “Le Prochain” (2018), fué seleccionado en numerosos festivales internacionales. En 2022 dirige "Plein Air" su último trabajo, premiado en el Festival de Huelva de Cine Iberoamericano a mejor cortometraje nacional y en la Seminci, entre otros, y con el que obtuvo una Candidatura al Goya en 2024.
Pedro Moreno (Madrid, 1942). Nació en Madrid, es diseñador de vestuario, escenógrafo y dibujante español.
Estudió Bellas Artes en la Real Academia de San Fernando y antropología en La Sorbona de París.4 Empezó a trabajar como maestro en un centro de protección de menores,56 pero en los años 1960 se orientó hacia el diseño de alta costura de la mano del modisto Elio Berhanyer, con el que trabajó hasta mediados de los años 1980.78 Con el declive de la alta costura y el auge del prêt-à-porter, abandonó el mundo de la moda y optó por el diseño de vestuario de teatro.
Sus creaciones se han movido tanto en el teatro, como en la danza, el cine, la ópera, la zarzuela... Trabajos por los que se le ha definido como poeta del estilismo y se le ha situado entre los más grandes figurinistas españoles del siglo XX.
Su labor ha sido multipremiada con dos Goyas, máximo galardón que otorga la Academia de Cine, varios Premios Max, el Premio Adrià Gual de Figurinismo, el Premio Lorenzo Luzuriaga, el Premio Nacional de Teatro y la Medalla de Oro de la Academia de las Artes Escénicas de España, entre otras distinciones.
